Arte e artistas

Heitor dos Prazeres: obras, samba e pintura do cotidiano

Conheça a pintura de Heitor dos Prazeres pelas obras Moenda, O artista e Festa de São João: o samba, o trabalho e a vida negra no Rio de Janeiro.

Em uma festa junina, os pares dançam entre a casa e a fogueira. Em outro quadro, duas pessoas trabalham junto a uma moenda, cercadas de canavial. Num retrato, um homem de barba branca e boina vermelha fuma cachimbo. São cenas pintadas por Heitor dos Prazeres (1898–1966), que levou para a tela a vida negra que conhecia no Rio de Janeiro. O músico já tinha uma carreira no samba quando começou a se dedicar à pintura, no fim dos anos 1930.¹²³

A música aparece no gesto dos dançarinos, mas o trabalho, as casas e o próprio ofício de pintar também ocupam os quadros. Três deles dão uma boa entrada nessa produção: Festa de São João, de 1942, Moenda, de 1951, e O artista, de 1959.²³¹

O Rio de Janeiro que Heitor pintava

Heitor nasceu no Rio em 1898 e cresceu na região da Praça Onze. Sua família veio da Bahia, como outras famílias negras que se fixaram nas proximidades do porto e da Cidade Nova. A casa de Tia Ciata, os ranchos de Carnaval e as rodas de samba faziam parte desse ambiente. Seu pai era marceneiro e clarinetista; a mãe, costureira. A música e o trabalho manual estavam presentes antes de a pintura se tornar uma ocupação sua.⁴

Já adulto, Heitor frequentou os espaços que aparecem nos quadros: bares, gafieiras, blocos e terreiros. A experiência de compositor e instrumentista também passou pelos anos de formação das escolas de samba cariocas. A Fundação Bienal registra sua participação nas origens de Mangueira e Portela, além de sua atuação como alfaiate, sapateiro e marceneiro. Em 1954, desenhou cenografia e figurinos para O guarda-chuva, do Ballet do IV Centenário de São Paulo.⁵

Um vestido estampado ou um terno riscado pode ocupar tanto espaço na composição quanto o rosto de quem o veste. Em muitas cenas de dança, são os tecidos que aproximam e separam os corpos: o amarelo de uma saia encontra o escuro de um paletó, uma estampa interrompe outra. O figurino participa do movimento que a tela sugere.²

Três obras para conhecer sua pintura

Festa de São João, 1942

O MoMA, em Nova York, conserva St. John’s Day, de 1942, título que corresponde a Festa de São João. É um óleo sobre tela de 64,8 × 80,6 cm. Na imagem, músicos ficam à esquerda, diante de uma casa; no centro, os pares dançam; à direita, uma fogueira acesa reúne outras figuras. No alto, um balão recorta a noite.²

O quintal tem limites bem visíveis. Uma cerca atravessa a frente do quadro, e a vegetação fecha o espaço pelos lados. As bandeirinhas passam sobre o grupo em diagonais. Dentro desse terreno, cada atividade encontra um lugar: tocar, dançar, olhar o balão, ficar perto do fogo. O conjunto é cheio de acontecimentos, mas o olho consegue percorrê-los.

Os vestidos amarelos, verdes e vermelhos têm pequenos desenhos; os ternos escuros são atravessados por listras claras. De perto, a festa é feita também desses detalhes. As cabeças viradas e os braços dobrados indicam relações entre as pessoas, enquanto os pés e as barras das roupas dão direção aos passos. O quadro convida a olhar cada par antes de voltar ao grupo.²

Moenda, 1951

Moenda é um óleo sobre tela de 65 × 81,1 cm, hoje no Museu de Arte Contemporânea da Universidade de São Paulo. A obra recebeu o Prêmio Aquisição Toddy do Brasil na primeira Bienal de São Paulo, em 1951. A ficha registra a incorporação ao MAC por doação do Museu de Arte Moderna de São Paulo.³

Duas pessoas aparecem junto ao equipamento de moer cana. À esquerda, um homem se inclina sob uma haste comprida; mais ao centro, uma mulher de blusa azul e saia rosa ergue o braço. O líquido claro que sai da moenda cai numa vasilha escura. Ao redor, as folhas do canavial se dobram e se repetem; uma casa ocupa o canto superior direito.³

Aqui, o movimento vem do trabalho. O braço levantado, a diagonal da haste e as curvas das plantas dividem a superfície. O equipamento permanece entre as figuras, ligado à ação de ambas. A vegetação ocupa grande parte da tela e chega até o primeiro plano, de modo que o trabalho aparece por dentro da paisagem.

A premiação põe esse quadro num momento preciso da trajetória de Heitor. Ele enviou três pinturas à primeira Bienal e recebeu uma sala especial na segunda edição, em 1953.⁵

O artista, 1959

Em O artista, do MASP, o espaço é tomado por uma figura só. Um homem negro de perfil usa boina vermelha e camisa clara. Tem cabelos e barba grisalhos, fuma cachimbo e olha para a esquerda. Os fios da barba e os pequenos desenhos dos botões pedem uma observação próxima. O óleo sobre tela mede 45,5 × 39 cm.¹

Olivia Ardui, autora do texto do museu, observa que a boina também aparece em autorretratos de Heitor. Por isso, propõe que a pintura possa ser outro autorretrato. É uma hipótese de leitura, não uma identificação fechada pelo título. Ardui também aproxima o cachimbo das representações de pretos-velhos nas religiões afro-brasileiras.¹

O quadro muda a distância em relação às cenas coletivas. A roupa e o rosto ocupam quase tudo; o fundo azul fica ao redor do perfil. A atenção que, numa festa, se distribui entre muitas pessoas se concentra agora nos detalhes de um homem.

Como a pintura ganha ritmo

Nas cenas coletivas, é possível acompanhar sequências de cabeças erguidas, braços dobrados e pernas em posições diferentes. As figuras se aproximam em pares ou grupos; os intervalos entre elas também contam. Na leitura de Olivia Ardui para o MASP, o ritmo resulta dos gestos e da alternância das cores, aplicadas em áreas homogêneas.¹

Há um procedimento de ateliê por trás da repetição de certos personagens. O catálogo Heitor dos Prazeres é meu nome, publicado em 2024, descreve o uso de desenhos em papel-manteiga com grafite no verso. Ao contornar o desenho, Heitor transferia a figura para a tela. Podia organizar as posições e indicar as cores antes de pintar, além de empregar uma mesma figura em quadros diferentes.⁶

Esse método permite olhar de outra forma para as semelhanças entre os corpos. Um braço reaparece, um perfil se repete, a roupa muda. Em Festa de São João, as estampas e os gestos ligam os pares; em Moenda, a posição dos trabalhadores acompanha o equipamento.²³

Heitor dos Prazeres era um pintor naïf?

O nome de Heitor aparece com frequência na história da arte naïf brasileira. O MoMA incluiu sua obra numa exposição intitulada Naive Painting: A Selection from the Museum Collection, em 1972. A palavra faz parte da história de como sua pintura foi recebida e organizada pelos museus.⁷

As leituras mais recentes discutem os limites desse enquadramento. No catálogo da exposição do CCBB, Raquel Barreto, Haroldo Costa e Pablo León de la Barra criticam o uso de “naïf” e “primitivo” quando esses termos diminuem a elaboração artística de Heitor. Os curadores propõem ler a pintura pela experiência negra, urbana e brasileira do artista.⁸

Para entender seus quadros, o termo pode ser um ponto de partida histórico. A observação precisa ir até as escolhas: como ele organiza o grupo, transfere um desenho, distribui estampas e pinta um rosto. A relação desse vocabulário com outros pintores brasileiros está no artigo Chico da Silva e a arte naïf brasileira.

Onde ver as obras

As três pinturas comentadas aqui pertencem ao MoMA, ao MAC USP e ao MASP. O MAM Rio conserva também Autorretrato, de 1956, óleo sobre madeira, na Coleção Gilberto Chateaubriand. A página do museu reúne a ficha e uma audiodescrição dessa obra.⁹

No quadro de 1956, a figura está sentada diante de um cavalete, ao ar livre. A boina vermelha reaparece em O artista, pintado três anos depois.¹⁰ A audiodescrição do MAM Rio acompanha a observação de Autorretrato.